Moverle las costuras a Federico García Lorca es una empresa que suele pagarse con el aburrimiento del público o la ira de la academia. Sin embargo, lo que Luis Luque ha plantado sobre las tablas del Teatro de Rojas con Poncia no es un ejercicio de profanación, sino una brillante exhumación dramática. Se trata de un spin-off en toda regla, es decir, una obra que nace a partir de otra ya existente, pero que adquiere vida propia. Poncia desafía la cronología de La Casa de Bernarda Alba para situarnos en la resaca moral del desastre: Adela ya se ha suicidado y Poncia, la eterna subalterna que todo lo vio y todo lo calló, rompe al fin su silencio en un purgatorio de niebla y fantasmas.Desde un estricto prisma filológico y académico, la propuesta posee una agudeza incisiva. Luque deconstruye el texto original, e inicia con introito en boca de Bernarda, para luego seguir con las intervenciones dispersas de la criada, y todo lo transmuta en una polifonía espectral de soliloquios y ajustes de cuentas. Lo fascinante aquí es el desplazamiento del eje discursivo. Al convertir a la sirvienta en el sujeto central de la enunciación, los grandes tótems lorquianos —la culpa, la represión sexual, el clasismo epidérmico y el ansia de libertad— dejan de ser patrimonio de la burguesía terrateniente de Bernarda para adquirir la ruda lucidez de la filosofía popular. Poncia es una mujer con una clara conciencia de la clase a la que pertenece, aunque eso no le va a impedir plantar cara a Bernarda, su ama, diciéndole las verdades que nadie tiene el arrojo de explicitar. A pesar de su condición de criada, se muestra como una mujer digna y orgullosa que no tiene de qué avergonzarse y hace gala de haber conocido el verdadero amor carnal y erótico en su mocedad. Muy acertada desde el punto de vista dramático es la escena del descubrimiento del mar por Poncia y lo que supone en su experiencia ese primer baño marino y el enorme placer que le causó, interrumpido de forma abrupta.Escuchar el latido de la tragedia desde los fogones, y no desde el opulento salón principal, dota a la obra de una dimensión mítica tan universal como contemporánea. Luis Luque ha sido capaz de ir retirando capa tras capa de la tragedia lorquiana hasta encontrar a una mujer que durante casi noventa años había permanecido en los márgenes de la historia. Lo admirable es que, una vez colocada en el centro del escenario, Poncia no parece una intrusa. Al contrario: el espectador acaba preguntándose cómo fue posible que esta mujer no hubiera ocupado antes todo el espacio.Con estas ideas de fondo se construye un monólogo picassiano cubista, a través del cual se va mostrando al espectador, de forma desordenada y fragmentaria, tanto el carácter de la protagonista, como el de los diferentes miembros de la familia de Bernarda Alba y los demás personajes del drama lorquiano: las hijas, Bernarda, el marido de Poncia o Pepe el Romano.Tirando del hilo de la literatura comparada, hasta podríamos decir que el texto de Luis Luque resulta una suerte de Pedro Páramo lorquiano, reflejado en la reflexión, los soliloquios, los diálogos con fantasmas y sombras de la propia Poncia. El espíritu de la joven Adela y su trágica muerte es el leitmotiv que desencadena todos los eslabones con los que se construye el monólogo.Lolita Flores: cuando el oficio se impone al folcloreDigámoslo sin ambages y con el desparpajo que la crítica a veces se ahorra: la elección de Lolita Flores arrastra el inevitable prejuicio de su naturaleza puramente popular, pero su trabajo en escena es, simple y llanamente, incontestable. Hay actrices que ensayan un personaje y actrices que parecen llevar sus latidos y sus sudores impregnados en la piel.Lolita juega con esta segunda baraja. La intérprete despliega una verdad escénica convincente. Domina con maestría el tránsito kamikaze entre el habla cotidiana de quien friega suelos y la elevación poética del lamento trágico. No hay aquí rastro de explotación folclórica; hay raza, hay contención y hay un respeto reverencial al oficio que esquiva con inteligencia el aplauso fácil para buscar la realidad de la herida.Hablemos pues de una interpretación límpida con un conseguido ritmo lorquiano y un equilibrio entre el carácter dramático, el más tierno e incluso el burlón. Sería todo más perfecto si las últimas sílabas de la palabra, en especial en los finales de frase, se mantuvieran con un volumen de voz para que no se oscurezcan o se pierdan.Una puesta en escena esculpida en el vacío La dirección de Luis Luque destaca por una renuncia casi ascética que potencia lo esencial. En lugar de competir con la monumentalidad opresiva de la casa original, la reduce a cenizas de la memoria. La dirección sortea el peligro del estatismo del monólogo basado en un personaje tan conocido y construye para Lolita una partitura emocional llena de variaciones. La vemos como criada práctica y terrenal, como mujer herida, como observadora crítica, como cómplice involuntaria de la tragedia y hasta como una especie de coro popular que interpreta los acontecimientos para el público. Y en esa partitura tienen música la palabra y los silencios —esos que tantos directores temen y tapan con ruido— que respiran, pesan y duelen.El andamiaje técnico trabaja al unísono para edificar esta atmósfera escénica acorde al texto y las emociones que se transmiten. Es una puesta en escena que destaca por su minimalismo, elegancia, creatividad y sencillez. La escenografía de Mónica Boromello huye del costumbrismo arqueológico andaluz para diseñar un espacio espectralmente bello y simple, un limbo abstracto donde las paredes blancas asfixiantes de una casa andaluza se han convertido en grandes telones de seda que envuelven el escenario y son como puras proyecciones de la mente del personaje. La iluminación diseñada por Paco Ariza no se limita a alumbrar, sino que, a través de los cambios de color y los claroscuros y penumbras preñadas de secretos, la luz actúa como un personaje invisible que juzga o ampara la soledad de la protagonista y logra sensaciones diversas y contextos de distinto tipo: trágico, tierno, sensual… Y el vestuario ideado por Almudena Rodríguez Huertas presenta una caracterización despojada de época que universaliza a Poncia, convirtiéndola en cualquier mujer de cualquier tiempo.La música es un elemento importante en la creación de ambientes variados. Especialmente bello es cuando la intérprete inicia una canción sefardí que luego deriva por otros derroteros melódicos.La paráfrasis como canibalismo ilustradoEl éxito de Poncia nos obliga a articular una reflexión estética sobre el arte de la paráfrasis y la reescritura. ¿Es lícito saquear textos ajenos ya consolidados en el canon para edificar propuestas nuevas? La respuesta es sí, siempre que se opere desde la «arqueología emocional» y no desde el mero oportunismo comercial.Apropiarse del prestigio ajeno es un juego de alto riesgo. Si la nueva pieza no aporta una mirada epistémica inédita, se disuelve en el pastiche o en el mero parasitismo cultural. El acierto de Luque con Poncia radica en que no parasita a Lorca, lo complementa. Rellena los huecos negros que Federico dejó en los márgenes de las páginas y nos demuestra que el patrimonio literario no es un mausoleo intocable, sino una materia viva, maleable y dispuesta a ser interrogada desde las venas del siglo XXI.Al salir del teatro, uno tiene la certeza absoluta de que en esa casa vacía todavía queda alguien vivo. Y esta vez, por justicia poética, es la criada.La obra fue muy aplaudida por el público toledano que agotó el papel en taquilla. Y tras los aplausos y unas palabras emocionales de Lolita, se invitó a guardar un minuto de silencio en recuerdo de las víctimas del trágico accidente de trenes que ha tenido lugar en días pasados.Título: Poncia . Autor: Luis Luque (a partir de La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca). Dirección: Luis Luque . Intérpretes: Lolita Flores . Música original: Luis Miguel Cobo . Escenografía: Mónica Boromello . Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas . Iluminación: Paco Ariza . Producción: Pentación Espectáculos y Teatro Español . Escenario: Teatro de Rojas. Moverle las costuras a Federico García Lorca es una empresa que suele pagarse con el aburrimiento del público o la ira de la academia. Sin embargo, lo que Luis Luque ha plantado sobre las tablas del Teatro de Rojas con Poncia no es un ejercicio de profanación, sino una brillante exhumación dramática. Se trata de un spin-off en toda regla, es decir, una obra que nace a partir de otra ya existente, pero que adquiere vida propia. Poncia desafía la cronología de La Casa de Bernarda Alba para situarnos en la resaca moral del desastre: Adela ya se ha suicidado y Poncia, la eterna subalterna que todo lo vio y todo lo calló, rompe al fin su silencio en un purgatorio de niebla y fantasmas.Desde un estricto prisma filológico y académico, la propuesta posee una agudeza incisiva. Luque deconstruye el texto original, e inicia con introito en boca de Bernarda, para luego seguir con las intervenciones dispersas de la criada, y todo lo transmuta en una polifonía espectral de soliloquios y ajustes de cuentas. Lo fascinante aquí es el desplazamiento del eje discursivo. Al convertir a la sirvienta en el sujeto central de la enunciación, los grandes tótems lorquianos —la culpa, la represión sexual, el clasismo epidérmico y el ansia de libertad— dejan de ser patrimonio de la burguesía terrateniente de Bernarda para adquirir la ruda lucidez de la filosofía popular. Poncia es una mujer con una clara conciencia de la clase a la que pertenece, aunque eso no le va a impedir plantar cara a Bernarda, su ama, diciéndole las verdades que nadie tiene el arrojo de explicitar. A pesar de su condición de criada, se muestra como una mujer digna y orgullosa que no tiene de qué avergonzarse y hace gala de haber conocido el verdadero amor carnal y erótico en su mocedad. Muy acertada desde el punto de vista dramático es la escena del descubrimiento del mar por Poncia y lo que supone en su experiencia ese primer baño marino y el enorme placer que le causó, interrumpido de forma abrupta.Escuchar el latido de la tragedia desde los fogones, y no desde el opulento salón principal, dota a la obra de una dimensión mítica tan universal como contemporánea. Luis Luque ha sido capaz de ir retirando capa tras capa de la tragedia lorquiana hasta encontrar a una mujer que durante casi noventa años había permanecido en los márgenes de la historia. Lo admirable es que, una vez colocada en el centro del escenario, Poncia no parece una intrusa. Al contrario: el espectador acaba preguntándose cómo fue posible que esta mujer no hubiera ocupado antes todo el espacio.Con estas ideas de fondo se construye un monólogo picassiano cubista, a través del cual se va mostrando al espectador, de forma desordenada y fragmentaria, tanto el carácter de la protagonista, como el de los diferentes miembros de la familia de Bernarda Alba y los demás personajes del drama lorquiano: las hijas, Bernarda, el marido de Poncia o Pepe el Romano.Tirando del hilo de la literatura comparada, hasta podríamos decir que el texto de Luis Luque resulta una suerte de Pedro Páramo lorquiano, reflejado en la reflexión, los soliloquios, los diálogos con fantasmas y sombras de la propia Poncia. El espíritu de la joven Adela y su trágica muerte es el leitmotiv que desencadena todos los eslabones con los que se construye el monólogo.Lolita Flores: cuando el oficio se impone al folcloreDigámoslo sin ambages y con el desparpajo que la crítica a veces se ahorra: la elección de Lolita Flores arrastra el inevitable prejuicio de su naturaleza puramente popular, pero su trabajo en escena es, simple y llanamente, incontestable. Hay actrices que ensayan un personaje y actrices que parecen llevar sus latidos y sus sudores impregnados en la piel.Lolita juega con esta segunda baraja. La intérprete despliega una verdad escénica convincente. Domina con maestría el tránsito kamikaze entre el habla cotidiana de quien friega suelos y la elevación poética del lamento trágico. No hay aquí rastro de explotación folclórica; hay raza, hay contención y hay un respeto reverencial al oficio que esquiva con inteligencia el aplauso fácil para buscar la realidad de la herida.Hablemos pues de una interpretación límpida con un conseguido ritmo lorquiano y un equilibrio entre el carácter dramático, el más tierno e incluso el burlón. Sería todo más perfecto si las últimas sílabas de la palabra, en especial en los finales de frase, se mantuvieran con un volumen de voz para que no se oscurezcan o se pierdan.Una puesta en escena esculpida en el vacío La dirección de Luis Luque destaca por una renuncia casi ascética que potencia lo esencial. En lugar de competir con la monumentalidad opresiva de la casa original, la reduce a cenizas de la memoria. La dirección sortea el peligro del estatismo del monólogo basado en un personaje tan conocido y construye para Lolita una partitura emocional llena de variaciones. La vemos como criada práctica y terrenal, como mujer herida, como observadora crítica, como cómplice involuntaria de la tragedia y hasta como una especie de coro popular que interpreta los acontecimientos para el público. Y en esa partitura tienen música la palabra y los silencios —esos que tantos directores temen y tapan con ruido— que respiran, pesan y duelen.El andamiaje técnico trabaja al unísono para edificar esta atmósfera escénica acorde al texto y las emociones que se transmiten. Es una puesta en escena que destaca por su minimalismo, elegancia, creatividad y sencillez. La escenografía de Mónica Boromello huye del costumbrismo arqueológico andaluz para diseñar un espacio espectralmente bello y simple, un limbo abstracto donde las paredes blancas asfixiantes de una casa andaluza se han convertido en grandes telones de seda que envuelven el escenario y son como puras proyecciones de la mente del personaje. La iluminación diseñada por Paco Ariza no se limita a alumbrar, sino que, a través de los cambios de color y los claroscuros y penumbras preñadas de secretos, la luz actúa como un personaje invisible que juzga o ampara la soledad de la protagonista y logra sensaciones diversas y contextos de distinto tipo: trágico, tierno, sensual… Y el vestuario ideado por Almudena Rodríguez Huertas presenta una caracterización despojada de época que universaliza a Poncia, convirtiéndola en cualquier mujer de cualquier tiempo.La música es un elemento importante en la creación de ambientes variados. Especialmente bello es cuando la intérprete inicia una canción sefardí que luego deriva por otros derroteros melódicos.La paráfrasis como canibalismo ilustradoEl éxito de Poncia nos obliga a articular una reflexión estética sobre el arte de la paráfrasis y la reescritura. ¿Es lícito saquear textos ajenos ya consolidados en el canon para edificar propuestas nuevas? La respuesta es sí, siempre que se opere desde la «arqueología emocional» y no desde el mero oportunismo comercial.Apropiarse del prestigio ajeno es un juego de alto riesgo. Si la nueva pieza no aporta una mirada epistémica inédita, se disuelve en el pastiche o en el mero parasitismo cultural. El acierto de Luque con Poncia radica en que no parasita a Lorca, lo complementa. Rellena los huecos negros que Federico dejó en los márgenes de las páginas y nos demuestra que el patrimonio literario no es un mausoleo intocable, sino una materia viva, maleable y dispuesta a ser interrogada desde las venas del siglo XXI.Al salir del teatro, uno tiene la certeza absoluta de que en esa casa vacía todavía queda alguien vivo. Y esta vez, por justicia poética, es la criada.La obra fue muy aplaudida por el público toledano que agotó el papel en taquilla. Y tras los aplausos y unas palabras emocionales de Lolita, se invitó a guardar un minuto de silencio en recuerdo de las víctimas del trágico accidente de trenes que ha tenido lugar en días pasados.Título: Poncia . Autor: Luis Luque (a partir de La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca). Dirección: Luis Luque . Intérpretes: Lolita Flores . Música original: Luis Miguel Cobo . Escenografía: Mónica Boromello . Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas . Iluminación: Paco Ariza . Producción: Pentación Espectáculos y Teatro Español . Escenario: Teatro de Rojas.
Moverle las costuras a Federico García Lorca es una empresa que suele pagarse con el aburrimiento del público o la ira de la academia. Sin embargo, lo que Luis Luque ha plantado sobre las tablas del Teatro de Rojas con Poncia no es un ejercicio … de profanación, sino una brillante exhumación dramática. Se trata de un spin-off en toda regla, es decir, una obra que nace a partir de otra ya existente, pero que adquiere vida propia. Poncia desafía la cronología de La Casa de Bernarda Alba para situarnos en la resaca moral del desastre: Adela ya se ha suicidado y Poncia, la eterna subalterna que todo lo vio y todo lo calló, rompe al fin su silencio en un purgatorio de niebla y fantasmas.
Desde un estricto prisma filológico y académico, la propuesta posee una agudeza incisiva. Luque deconstruye el texto original, e inicia con introito en boca de Bernarda, para luego seguir con las intervenciones dispersas de la criada, y todo lo transmuta en una polifonía espectral de soliloquios y ajustes de cuentas. Lo fascinante aquí es el desplazamiento del eje discursivo. Al convertir a la sirvienta en el sujeto central de la enunciación, los grandes tótems lorquianos —la culpa, la represión sexual, el clasismo epidérmico y el ansia de libertad— dejan de ser patrimonio de la burguesía terrateniente de Bernarda para adquirir la ruda lucidez de la filosofía popular. Poncia es una mujer con una clara conciencia de la clase a la que pertenece, aunque eso no le va a impedir plantar cara a Bernarda, su ama, diciéndole las verdades que nadie tiene el arrojo de explicitar. A pesar de su condición de criada, se muestra como una mujer digna y orgullosa que no tiene de qué avergonzarse y hace gala de haber conocido el verdadero amor carnal y erótico en su mocedad. Muy acertada desde el punto de vista dramático es la escena del descubrimiento del mar por Poncia y lo que supone en su experiencia ese primer baño marino y el enorme placer que le causó, interrumpido de forma abrupta.
Escuchar el latido de la tragedia desde los fogones, y no desde el opulento salón principal, dota a la obra de una dimensión mítica tan universal como contemporánea. Luis Luque ha sido capaz de ir retirando capa tras capa de la tragedia lorquiana hasta encontrar a una mujer que durante casi noventa años había permanecido en los márgenes de la historia. Lo admirable es que, una vez colocada en el centro del escenario, Poncia no parece una intrusa. Al contrario: el espectador acaba preguntándose cómo fue posible que esta mujer no hubiera ocupado antes todo el espacio.
Con estas ideas de fondo se construye un monólogo picassiano cubista, a través del cual se va mostrando al espectador, de forma desordenada y fragmentaria, tanto el carácter de la protagonista, como el de los diferentes miembros de la familia de Bernarda Alba y los demás personajes del drama lorquiano: las hijas, Bernarda, el marido de Poncia o Pepe el Romano.
Tirando del hilo de la literatura comparada, hasta podríamos decir que el texto de Luis Luque resulta una suerte de Pedro Páramo lorquiano, reflejado en la reflexión, los soliloquios, los diálogos con fantasmas y sombras de la propia Poncia. El espíritu de la joven Adela y su trágica muerte es el leitmotiv que desencadena todos los eslabones con los que se construye el monólogo.
Lolita Flores: cuando el oficio se impone al folclore
Digámoslo sin ambages y con el desparpajo que la crítica a veces se ahorra: la elección de Lolita Flores arrastra el inevitable prejuicio de su naturaleza puramente popular, pero su trabajo en escena es, simple y llanamente, incontestable. Hay actrices que ensayan un personaje y actrices que parecen llevar sus latidos y sus sudores impregnados en la piel.
Lolita juega con esta segunda baraja. La intérprete despliega una verdad escénica convincente. Domina con maestría el tránsito kamikaze entre el habla cotidiana de quien friega suelos y la elevación poética del lamento trágico. No hay aquí rastro de explotación folclórica; hay raza, hay contención y hay un respeto reverencial al oficio que esquiva con inteligencia el aplauso fácil para buscar la realidad de la herida.
Hablemos pues de una interpretación límpida con un conseguido ritmo lorquiano y un equilibrio entre el carácter dramático, el más tierno e incluso el burlón. Sería todo más perfecto si las últimas sílabas de la palabra, en especial en los finales de frase, se mantuvieran con un volumen de voz para que no se oscurezcan o se pierdan.
Una puesta en escena esculpida en el vacío
La dirección de Luis Luque destaca por una renuncia casi ascética que potencia lo esencial. En lugar de competir con la monumentalidad opresiva de la casa original, la reduce a cenizas de la memoria. La dirección sortea el peligro del estatismo del monólogo basado en un personaje tan conocido y construye para Lolita una partitura emocional llena de variaciones. La vemos como criada práctica y terrenal, como mujer herida, como observadora crítica, como cómplice involuntaria de la tragedia y hasta como una especie de coro popular que interpreta los acontecimientos para el público. Y en esa partitura tienen música la palabra y los silencios —esos que tantos directores temen y tapan con ruido— que respiran, pesan y duelen.
El andamiaje técnico trabaja al unísono para edificar esta atmósfera escénica acorde al texto y las emociones que se transmiten. Es una puesta en escena que destaca por su minimalismo, elegancia, creatividad y sencillez. La escenografía de Mónica Boromello huye del costumbrismo arqueológico andaluz para diseñar un espacio espectralmente bello y simple, un limbo abstracto donde las paredes blancas asfixiantes de una casa andaluza se han convertido en grandes telones de seda que envuelven el escenario y son como puras proyecciones de la mente del personaje. La iluminación diseñada por Paco Ariza no se limita a alumbrar, sino que, a través de los cambios de color y los claroscuros y penumbras preñadas de secretos, la luz actúa como un personaje invisible que juzga o ampara la soledad de la protagonista y logra sensaciones diversas y contextos de distinto tipo: trágico, tierno, sensual… Y el vestuario ideado por Almudena Rodríguez Huertas presenta una caracterización despojada de época que universaliza a Poncia, convirtiéndola en cualquier mujer de cualquier tiempo.
La música es un elemento importante en la creación de ambientes variados. Especialmente bello es cuando la intérprete inicia una canción sefardí que luego deriva por otros derroteros melódicos.
La paráfrasis como canibalismo ilustrado
El éxito de Poncia nos obliga a articular una reflexión estética sobre el arte de la paráfrasis y la reescritura. ¿Es lícito saquear textos ajenos ya consolidados en el canon para edificar propuestas nuevas? La respuesta es sí, siempre que se opere desde la «arqueología emocional» y no desde el mero oportunismo comercial.
Apropiarse del prestigio ajeno es un juego de alto riesgo. Si la nueva pieza no aporta una mirada epistémica inédita, se disuelve en el pastiche o en el mero parasitismo cultural. El acierto de Luque con Poncia radica en que no parasita a Lorca, lo complementa. Rellena los huecos negros que Federico dejó en los márgenes de las páginas y nos demuestra que el patrimonio literario no es un mausoleo intocable, sino una materia viva, maleable y dispuesta a ser interrogada desde las venas del siglo XXI.
Al salir del teatro, uno tiene la certeza absoluta de que en esa casa vacía todavía queda alguien vivo. Y esta vez, por justicia poética, es la criada.
La obra fue muy aplaudida por el público toledano que agotó el papel en taquilla. Y tras los aplausos y unas palabras emocionales de Lolita, se invitó a guardar un minuto de silencio en recuerdo de las víctimas del trágico accidente de trenes que ha tenido lugar en días pasados.
Título: Poncia. Autor: Luis Luque (a partir de La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca). Dirección: Luis Luque. Intérpretes: Lolita Flores. Música original: Luis Miguel Cobo. Escenografía: Mónica Boromello. Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas. Iluminación: Paco Ariza. Producción: Pentación Espectáculos y Teatro Español. Escenario: Teatro de Rojas.
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